C’est un tournant pour mon blog, qui s’internationalise en s’offrant une tournée en forme de retour au source dans le berceau de l’opéra. Tout commence à Parme. Parme, son fromage, son équipe de foot, sa cathédrale et… son festival Verdi. Pendant un mois, la petite ville de Parme vit au rythme de Verdi, Verdi est partout, dans les rues, les cinémas, les expositions, sur les voitures et jusque dans les magasins de sous-vêtements.

Le théâtre Regio de Parme qui accueille l’essentiel de l’événement est un haut lieu de l’opéra digne des plus grandes salles d’Europe. Une acoustique particulière, presque trop brute, qui donne l’impression d’être au premier rang même du plus haut des balcons et une forme oblongue avec cinq étages de corbeilles, mauvaises pour les torticolis mais excellentes pour l’acoustique sont les principales particularités de ce haut lieu de l’Emilie, à quelques kilomètres du lieu où Verdi a passé le plus clair de son existence. Dans de telles conditions, on comprendra que le ton exigeant qui est celui de mon blog laisse ici un peu la place au plaisir de redécouvrir Verdi dans un lieu mythique si beau et si propice.

Cette année, c’est le jeune Verdi qui est à l’honneur, avec en tête d’affiche le patriotique Nabucco, et une rareté, I Due Foscari, avec en vedette dans les deux cas le vétéran Leo Nucci (qui fut déjà Foscari à la Scala au printemps dernier). Pour ma part, c’est au second que j’ai assisté, en l’absence de Leo Nucci, remplacé pour l’occasion par Claudio Sgura, qui malgré son jeune âge remporte un triomphe dans le rôle du vieillard Foscari. Un triomphe d’autant plus flatteur que le public ici est connaisseur, et n’applaudit pas par politesse.

I Due Foscari, l’histoire du fils du doge de Venise injustement accusé et que son père est contraint de bannir, ne mérite pas l’oubli relatif dans lequel il est tombé. Mais le fougueux Verdi des jeunes années a composé des rôles d’une telle difficulté technique qu’on comprend que les chanteurs aient quelque réticence à s’y attaquer. Pourtant, Roberto Biasio, qui chante Jacopo Foscari, comme Tatiana Serjan, qui est son épouse Lucrezia y brillent de tous leurs feux, peut-être pas avec une extrême finesse pour le premier, mais avec une efficacité certaine. On est de toute façon  à quelques kilomètres de Modène, la patrie de Pavarotti, où le spectacle sera repris dans quelques jours…

Côté mise en scène, pas de faute de goût ni d’extravagance à attendre dans ce temple du purisme verdien, où le public est particulièrement chatouilleux. Les costumes sont de couleur unie, rouge et noir pour les méchants, jaunes et verts pour les gentils. Si l’on excepte le très kitsch coucher de soleil sur Venise qui accompagne le dernier acte, tout est léger, esthétique, propice à s’effacer devant le génie de la seule vraie star de la soirée : il maestro Verdi.

Tout les amoureux de l’opéra s’accorderont sur un point : il faut élargir son public, et d’abord aux plus jeunes, sous peine de le voir disparaître. L’ouverture tarifaire est pour cela une voix indispensable mais non point suffisante. Offrir des places à prix réduit pour Wozzeck de Berg ou la Ville morte de Korngold, deux œuvres particulièrement exigeantes, voilà qui ne saurait suffire à initier les publics peu connaisseurs. Pour cela, il faut non seulement des tarifs, mais encore des productions adaptées, et pour ainsi dire pédagogiques.

Il n’y avait qu’à voir la mine réjouie des très nombreux enfants venus assister à la Flûte enchantée de Mozart au théâtre du Châtelet pour comprendre que cette mission, au moins, était parfaitement remplie. Un opéra musicalement très accessible, joliment chanté, respectueusement monté, il n’en faut pas plus pour émerveiller la jeune génération. Les spécialistes diront sans doute qu’il n’y avait rien là que de très classique. Il y a pourtant quelque paradoxe à trouver Mozart trop classique… D’autant que le classicisme n’empêche pas l’imagination, comme ce ruban virevoltant qui tient lieu de dragon au début, ce lion gigantesque mû par un marionnettiste qui traverse la représentation, ou ces arcades mouvantes qui servent de décor à l’ouverture.

Au service de ce travail d’instruction publique de grande qualité, un plateau de chanteurs que j’ai quelques difficultés à juger tant les places du fond de l’orchestre (deuxième catégorie !) ont une acoustique détestable. On retiendra un duo de héros juvénile et entraînant, dominé par la très belle Pamina de la soprano française Sandrine Piau. Le Sarastro de Petri Lindroos peine un peu dans le grave, mais sa voix a toute la majesté qui convient au personnage. Quant à la reine de la nuit de Uran Urtnasan Cozzoli, sa voix a du caractère et de la personnalité, chose relativement rare dans ce rôle suraigu, mais elle n’est pas exempte de quelques défauts techniques.

Pas que quoi atténuer l’enthousiasme de ce public rajeuni. Tant d’enfants dans une salle d’opéra ne passent pas inaperçus : chuchotements, cris, agacement et « chut » émaillent la représentation, mais le silence qui accompagne les airs de la reine de la Nuit ou de Sarastro montrent que les exploits techniques qu’ils représentent et leur grande valeur musicale n’ont rien perdu de leur capacité à subjuguer jusqu’aux plus jeunes. Et si les enfants sont contents…


La Flûte enchantée de Wolfgang Amadeus Mozart, au téâtre du Châtelet les 1er, 3 et 4 octobre 2009.

L’opéra à la télévision connaît cette année un regain d’intérêt dont on ne peut que se féliciter : diffusion en direct et en première partie de soirée sur le service public des Chorégies d’Orange, de l’ouverture de l’opéra de Paris, retransmission du festival d’Aix-en-Provence sur Arte, autant d’événement aux scores d’audience honorables qui confirment que l’opéra peut séduire au-delà des cercles très fermés qui en trustent les parterres. A cette liste, on doit ajouter la « Bohème en banlieue » proposée par Arte mardi soir.

La télédiffusion en direct n’est en effet pas le seul moyen de mettre de l’opéra à la télévision. C’est sans doute le moins coûteux ; il a l’avantage de mettre en avant le spectacle vivant, de donner au grand public l’image la plus proche de ce qui se passe dans une salle d’opéra. Pourtant, il ne s’agit que d’une reproduction atténuée, déformée et imparfaite d’un spectacle dont on ne peut saisir complètement l’intensité hors de la salle. Et puis ces gros plans qui déforment les visages, qui exagèrent des gestes conçus pour être vus jusqu’au fond de la salle, tout cela n’est pas sans inconvénient.

La télévision offre pourtant de multiples possibilités, qui lui permettent d’aller bien au-delà de la simple reproduction déformée de ce qui se passe sur scène. La Bohème d’Arte, deuxième d’une série unique en son genre (après la Traviata en direct de la gare de Zurich), est dans cette veine : filmée en direct, mais depuis différents lieux de la banlieue de Berne, elle permet à l’opéra d’aller à la rencontre d’un nouveau public tout en inscrivant cette œuvre vériste dans un décor autrement plus crédible que les grands décors des salles d’opéra. L’effet obtenu est étrange, mais remarquablement probant. D’abord parce que les images sont d’une grande beauté et libèrent l’opéra de l’espace clos dans lequel les salles le confinent. Ensuite parce que la mise en scène d’Anja Horst est d’une remarquable intelligence, et inscrit l’opéra de Puccini dans un cadre qui lui va au mieux, au milieu d’un public à la fois figurant et spectateur. On retiendra en particulier cette fin irréelle, un peu absurde, mais de toute beauté, où le corps de Mimi est emmené par un bus sur fond de logements sociaux tandis que Rodolfo s’effondre sur le béton. C’est vraiment du très grand art.

Sur la forme, l’alternance entre les actes, et les commentaires des présentateurs ainsi que des chanteurs eux-mêmes est un choix plus discutable. On mettra à leur crédit la respiration qu’ils donnent à un spectacle dont la durée pourrait lasser les spectateurs. Mais tout de même, de voir ces chanteurs passer successivement de leur personnage à leur statut de chanteurs-analystes de leur art a quelque chose de déconcertant, et de dommageable pour l’intensité dramatique d’ensemble.